Stillstand und Resignation im Angesicht der Krise

von Natasha Devroede und Andreas Dirwimmer

Die Inszenierung von Carthage, encore der Theatergruppe „Théâtre de la petite boîte“ im Theaterkeller des Romanischen Seminars Heidelberg am 21. Oktober eröffnete in überzeugender Weise den Blick auf den Menschen im Angesicht einer – zumindest noch – fiktiven, post-apokalyptischen Szenerie. Inwiefern sich das Individuum in einer solchen Situation tatsächlich mit seinem Schicksal auseinandersetzt oder ihm in der absurden Ohnmacht jegliche Handlung unmöglich scheint, kann man noch bei den weiteren Vorstellungen des in französischer Originalsprache realisierten Stücks erfahren.

Die auf einer Gitarre gespielte Melodie von Beethovens Für Elise verstummt und der Lautsprecher im Theaterkeller des Romanischen Seminars Heidelberg knackt. Et de plus, il fait beau. Mit diesen Worten meldet sich die nahezu überschwänglich optimistisch klingende Off-Stimme und verspricht eine verheißungsvolle Zeit inmitten einer post-apokalyptischen Szenerie, in der nichts als Beton, Plastik und Leere zu sein scheint. Was ist passiert? Die Frage nach dem ‚Warum‘ der Katastrophe bleibt unbeantwortet, allerdings ist dem Publikum klar: Jean-Luc Lagarces 1980 veröffentlichtes Stück Carthage, encore zeigt eine Dystopie, die schonungsloser und zeitgemäßer nicht sein könnte. Eine Vision, die den Menschen nur noch skizzenhaft auftreten lässt und von dessen Phrasen illusorischer Hoffnung nur so gespickt ist, während die uns bekannte Welt bereits in Trümmern liegt. Das absurde Theaterstück des früh verstorbenen französischen Dramatikers ist mit seinen endzeitlichen Elementen heute aktueller denn je: Klimakrise, Rohstoffknappheit, Autoritarismus und Krieg führen uns in unserem Alltag immer wieder die Unbeständigkeit der menschlichen Zivilisation vor Augen. Und wie auch im realen Leben scheint der Mensch im Stück den Ernst der Lage nicht begriffen zu haben; er sehnt sich nach Ablenkung und ‚Tapetenwechsel‘, er verliert sich in stupiden Wortbeiträgen. So sinnieren die drei Figuren des Stücks etwa über einen Ausflug ans Meer, welches allerdings nicht wie in der Imagination unberührt und klar auf die Sandstrände rollt, während Kinder herumtollen, sondern mit einer stinkenden, klebrigen Schicht überzogen ist. Überhaupt ist der Wunsch der Protagonistinnen, der Misere zu entkommen, letztlich zum Scheitern verurteilt. Jeder Fluchtversuch in die ohnehin zerstörte Umgebung bleibt erwehrt, da die Figuren in einer von Sand bedeckten Kathedrale feststecken. Und auch eine Spalte im Dach der Kathedrale, durch die unaufhörlich Sand fließt und die kurzerhand für einen Ausgang aus dem Sakralgebäude gehalten wird, kann die Figuren nicht dazu bewegen, zusammen nach einem Fluchtplan zu suchen. Alles Handeln erscheint nichtig und zwecklos. Dass sich der/die Einzelne selbst in einer solchen Ausnahmesituation hoffnungslos der/die Nächste ist und dennoch wechselseitig die Nähe und Zuwendung der anderen braucht, wird auf der Bühne durch die geschickte Nutzung des Raums durch die Schauspielerinnen in besonderer Weise greifbar.

Die Theatergruppe „Théâtre de la petite boîte“ und ihre Regisseurin Antje Reinhard orientierten sich bei der Inszenierung des Einakters stark an der Textvorlage von Lagarce, so wurden die das Stück tragenden Dialoge und Redeanteile in der Aufführung unverfälscht dargeboten. Die wenigen szenischen Angaben des Originaltexts wurden eingehalten, so gehörte zum sonst kargen Bühnenbild auch die raffinierte Umsetzung einer Sandspalte. Durch das stetige Fließen des Sandes glich diese Installation einer Sanduhr, inmitten derer sich die Protagonistinnen dem Fortgang der Zeit ausgeliefert sehen. Neben diesem Spezialeffekt war die Bühne in abstrakt reduzierter Weise mit echt wenigen Requisiten und Objekten bestückt, die vor allem als Symbole der untergegangenen Fortschrittsgesellschaft fungierten. Verblühte und vertrocknete Sonnenblumen als Verweis auf das Ende der kultivierten Natur, daneben mit transparenter Folie eingewickelte Autoreifen, die im Scheinwerferlicht silbrig glänzten und ihrem eigentlichen Gebrauch entfremdet wurden. Und auch Koffer, im Allgemeinen Objekte der mobilen Gesellschaft, standen größtenteils ungenutzt im Raum und spiegelten den unerfüllten Wunsch nach Aufbruch wider. Die schlichten Leinenkostüme der Schauspielerinnen passten stimmig in den zeitlos wirkenden Raum und ließen das Geschehen gleichermaßen überzeitlich und exemplarisch erscheinen. Der Einsatz von Licht und Geräuschen war sinnvoll eingesetzt, so wurde bei den insgesamt sechs Radiobeiträgen ein bläuliches Licht verwendet, in dessen Schein die Schauspielerinnen meist unbeweglich verharrten. Das ansonsten warmweiße Licht der Scheinwerfer leuchtete den Bühnenraum aus und akzentuierte die teils großen Gesten und das mimische Spiel der Schauspielerinnen. Aber auch die recht kleine Bühne im Theaterkeller – ebenfalls wie die Szenerie im Stück ohne das Licht der Außenwelt – verhalf der Inszenierung zu einer Nähe und Intimität mit dem Zuschauerraum, da letztlich keiner den Ort des Geschehens wirklich verlassen konnte; die Zuschauenden, die gebannt auf das szenische Spiel blickten ebenso wie die in der Kathedrale ausharrenden und eingeschlossenen Figuren. Die kammerspielartige Atmosphäre verstärkte damit das auch im Stück verhandelte Sujet der Enge und Begrenztheit des Raums. Eine weitere Besonderheit des Stücks ist der Stillstand im Allgemeinen, der auf der Heidelberger Bühne sehr überzeugend dargebracht wurde und das Stück neben den sich zyklisch wiederholenden Motiven in die Tradition des absurden Theaters mit Vertretern wie Eugenio Ionesco stellt. Tatsächlich passiert während der Aufführung nichts – außer dem Versuch, die Zeit totzuschlagen durch sinnfreie Gespräche, das waghalsige Auftürmen der Autoreifen und das klägliche Scheitern beim Versuch, den Deckenspalt zu erreichen und somit aus der Kathedrale auszubrechen. Es wird auf die Ankunft eines Busses gewartet, der aus der Katastrophe führen soll, aber nie kommen wird. Es wird auf die Hoffnung und auf traumlose Nächte gewartet, auf Schlaf, auf Urlaub am Meer und letztlich auch auf Liebe und körperliche Nähe. Mit diesem zentralen Element des Wartens, durchzogen von inhaltslosem Gerede, rückt Lagarce das Stück in die Nähe von Becketts Warten auf Godot, dessen Anklänge auch in der Inszenierung deutlich wurden.

Die Figurenrede der ursprünglich vier angelegten Figuren (zwei Männer, zwei Frauen) wurde auf der Bühne durch die Theatergruppe geschickt auf nur drei Schauspielerinnen aufgeteilt. Dies ließ sich durch die unkonturierte Figurengestaltung im Dramentext problemlos umsetzen und konnte sogar die Stärken einer ungeraden Figurenkonstellation besonders eindringlich herausarbeiten. Das so kreierte Dreiergespann erinnerte in manchen Szenen etwa an Sartres Huis Clos, ein Stück, das die vierköpfige Theatergruppe bereits in einer ihrer bisherigen fünf Inszenierungen erarbeitet hat und welches eine besondere Dynamik durch Nähe und Distanz entfaltet. Ähnlich dazu entstehen auch in der Aufführung von Carthage, encore solche ungleichen Dynamiken der Ausgrenzung und der Intimität, oftmals mit der Ersten Frau (Pia Keßler) im Mittelpunkt der Figuren. Das Rollenspiel war vor dem Hintergrund der Dreiecksbeziehung durch die Besetzung zweier männlicher Schauspieler und einer Schauspielerin schlüssig. Dass die Besetzung der Rolle der Zweiten Frau durch einen männlichen Schauspieler (Arnaud Geiger) erfolgte, durchbricht zwar formal die Angabe des Originaltexts – denn nur das Geschlecht wird dort zur Kategorie der Abgrenzung von den anderen Figuren erhoben –, führt aber auch das von Lagarce entworfene fluidere Bild von Männlichkeit und Weiblichkeit fort. So wirkt etwa die Annäherungsszene der von männlichen Schauspielern (A. Geiger und David Biere) dargebotenen Figuren wie eine moderne Umsetzung des Texts jenseits heteronormativer Konventionen.

Die schauspielerische Leistung einer Theatergruppe ist neben der gelungenen Bühnenausstattung für eine gute Umsetzung eines Stücks ohne Handlung und Progression besonders wichtig. Diese wurde durch die Schauspielerinnen des „Théâtre de la petite boîte“ eindrucksvoll erbracht: die ausladenden Gesten und das Spiel mit Grimassen, mal um die anderen lächerlich darzustellen, mal um die Hoffnungslosigkeit auszudrücken, mal um durch komische Elemente den Zuschauerinnen ein Lachen zu entlocken.
Insgesamt ist die Heidelberger Inszenierung von Lagarces Stücks als eine außerordentliche Leistung einzuschätzen, die den mittlerweile 42 Jahre (!) alten Text in die Gegenwart überführt, einen spannenden Aktualitätsbezug im Anblick der heutigen Krisen herstellt und dem Werk damit Relevanz in unserer Zeit verleiht. Die enge Arbeit der Gruppe am Dramentext ließ das Potenzial des Stücks ausschöpfen, wobei auch eigene Gestaltungselemente wie etwa das Bühnenbild die Aufführung abrundeten. Die Entscheidung für drei statt vier Darstellerinnen ist möglicherweise aus der Not heraus entstanden, ließ aber durch Anklänge an Sartres Geschlossene Gesellschaft die Handlung noch greifbarer und dynamischer erscheinen. Der genutzte Raum auf und vor der Bühne sowie die gesamte Interaktion zwischen den Darstellerinnen ließ die Aufführung daher stimmig und atmosphärisch dicht wirken.