DER GRAF VON MONTE CHRISTO bei den Heidelberger Schlossfestspielen: Tragikomödie oder Boulevardstück?

von Lea Müller

„Wir können den Wind nicht ändern, aber die Segel anders setzen“. Dieses Zitat von Aristoteles prangt am Ende der Aufführung des Theaterstücks Der Graf von Monte Christo im Heidelberger Schlosshof auf einem großen Leinentuch, welches auf der Bühne als Segel inszeniert wird. Obwohl der Spruch wohl als moralisches Fazit gedacht war, bleibt die Frage, ob der Chefdramaturg Jürgen Popig diesem Leitsatz auch bei der theatralischen Adaption des erfolgreichen französischen Kultklassikers von Alexandre Dumas nachgegangen ist. Mit dem zwischen 1884 und 1886 veröffentlichten Feuilletonroman hatte sich Popig eine düstere und gleichzeitig komplexe Vorlage ausgesucht: Die RNZ betitelt diese als „Racheroman“ (Schottmüller 2024) oder „Rache-Thriller“ (Vogt 2024), der Mannheimer Morgen spricht von einem „historischen Abenteuerroman“ (Barsch 2024), – prägnante Beschreibungen für einen Roman, welcher verschiedene zentrale Motive wie Rache, Liebe, Gerechtigkeit und Verwandlung auf über tausend Seiten an mehreren Schauplätzen in Frankreich und Italien in Szene setzt. (Inwiefern) lässt sich nun dieser vielschichtige Roman als Theaterstück für die Heidelberg Schlossfestspiele adaptieren, ohne dass weder essentielle Elemente des Romans noch die Aufmerksamkeit des Publikums verloren gehen?

Jürgen Popig und die Regisseurin Katja Wolff setzen auf starke Reduktion, großes Spektakel und viele komödiantische Elemente. Aus den 117 Kapiteln des Romans wird ein zweieinhalbstündiges Theaterstück, das in zwei Teile gegliedert ist: „Der Gefangene vom Chateau d’If“ und „Die Rache“. Dieses wird auf einer Bühne mit maritimen Komponenten gespielt, welche aber je nach Szene auch andere Zwecke erfüllen. Die erste Szene weicht von der Romanszene ab, hilft aber, das Stück örtlich und zeitlich zu situieren, indem Napoleon gezeigt wird. Das von ihm gesungene Lied sorgt dabei jedoch für einen Bruch, da es sich um eine umgedichtete Variante von „König von Deutschland“ handelt.

Der Fokus des ersten Teils scheint darin zu liegen, Dantès’ Sturz vom angehenden Kapitän und Bräutigam zu einem Gefangenen auf dem Chateau d’If aufzuzeigen. Dabei wird vor allem Villefort als Antagonist stark gemacht, indem er durch ein besonderes Lederoutfit, einer hervorstechenden Gang- und Sprechart und einem eigenen musikalischen Leitmotiv, welches auf der Basslinie des Lieds „Der Präsident“ basiert, hervorgehoben wird. Dantès drei weitere Gegenspieler Fernand, Danglars und Caderousse werden davon im Stück eindeutig überschattet. Überschattet wird auch Dantès’ charakterliche Entwicklung, die im Roman viel deutlicher zum Vorschein kommt. Während zu Beginn des Romans Dantès‘ naive und loyale Art stark anhand seiner Beziehung zu seiner Verlobten Mercedes und zu seinem Vater thematisiert wird, tritt Dantès im Theaterstück sofort sehr selbstbewusst auf. Die Liebe zu Mercedes wird in einem Duett am Verlobungsmal aufgezeigt, gleichzeitig aber auch ridikülisiert, da Mercedes ihre popcornessenden und teilnahmslosen Gäste auffordert, sich doch mit ihr zu freuen – ganz im Gegenteil zum Kapitel im Buch, in dem die vielen Gäste sich wahrhaftig für die beiden Verlobten freuen. Dantès’ Vaterliebe fällt in dem Stück nahezu komplett heraus, ebenso wie seine geistige Entwicklung im Chateau d’If. Im Roman dienen die Kapitel über Dantès’ Gefangenschaft nicht nur dazu, Dantès’ Naivität durch Rachelust abzulösen, sondern verfolgen auch den Zweck, Abbé Farias Einfluss auf seine geistige und kognitive Entwicklung hervorzuheben und auf Dantès’ zukünftigen Reichtum durch Farias Schatz zu verweisen. Das Theaterstück übernimmt davon lediglich letzteres und nutzt die Szene, um das Rachemotiv einzuführen. Anstatt einer wichtigen Vorbildfigur wirkt der Abbé schwach, fast so wie es die Gefängniswärter im Roman fälschlicherweise immerzu annehmen. Vor der Pause wird abschließend noch Dantès’ Flucht aus dem Gefängnis gezeigt.

Nach der Pause geht es mit einem großen Zeitsprung weiter: Das Publikum erfährt nichts darüber, wie Dantès zum Grafen von Monte Christo wird – auch nicht, als andere Figuren wie Caderousse, Fernand, Danglars und Mercedes ihren Werdegang der letzten zehn Jahre in Monologen resümieren. Über Dantès’ Werdegang wird nur auf seiner eigenen Feier, welche durch Kleidung und einer Musikeinlage von „Alors on danse“ außerordentlich modern gehalten ist, spekuliert. Um das Moderne der Szene zu unterstreichen, betonen die Figuren, dass nun ein „veganes Festmahl“ verzehrt wird.

Mithilfe einer riesigen Schatztruhe, auf deren Deckel die vier Namen seiner Gegenspieler stehen, kann das Publikum jedoch vermuten, in welche Richtung sich Dantès entwickelt hat: Er ist zu großem Reichtum gekommen und darauf bedacht, seinen geplanten Rachefeldzug aus dem ersten Teil zu vollziehen. So rächt er sich durch List als verkleideter Priester an Caderousse, treibt Fernand durch seine Offenbarung als Dantès in den Selbstmord und Villefort in den Wahnsinn und beraubt Danglars um sein Vermögen. Diese Rachefeldzüge orientieren sich an der Romanvorlage, werden aber nie original übernommen. Um den Racheplan des Grafen von Monte Christo gegenüber Danglars beispielsweise zu verstehen, müsste man wissen, dass sein geliebter Vater durch Hunger gestorben ist und der Graf sich nun auch auf diese Weise bei Danglars rächen will. Das weiß man im Stück aber nicht, da nur komödiantisch spekuliert wird, ob der Vater nun an Hunger oder Kummer gestorben sei. Der ursprüngliche Racheort gegen Danglars befindet sich zudem in einem Kerker in Italien, Italien wurde als Spielort aber komplett aus der Theateraufführung gestrichen.

Inmitten der dunklen Stimmung des zweiten Teils tritt Mercedes als moralischer Gegenpart auf, wobei sie als einzige sofort weiß, dass Dantès der Graf von Monte Christo ist, und ihm versichert, dass Rache nutzlos sei. Er solle sich vielmehr um Liebe und Vergebung bemühen. Fast übergangslos gibt dieser ihr am Ende recht: Die Schlussszene besteht aus einem Chor mit dem Grafen auf dem Segelmast und den anderen Figuren auf der Bühne. Zusammen wird „Halt dich an deiner Liebe fest!“ gesungen und somit die Moral des Stücks mit großem Feuerwerk angestimmt. Das Segel mit dem Spruch „Wir können den Wind nicht ändern, aber die Segel anders setzen“ wird ausgerollt und untermalt die fast kitschig wirkende Abschlussszene.

Als Chefdramaturg hatte sich Jürgen Popig eine äußerst anspruchsvolle Vorlage für sein Freilichttheater ausgesucht. Auf Nachfragen im Publikumsgespräch begründet er das mit dem Trend im deutschen Theater, Romane statt Dramen als Vorlage zu nehmen. Außerdem adaptierte er vor dreizehn Jahren schon Dumas’ anderes berühmte  Werk, Die drei Musketiere, und wollte somit eine Verknüpfung schaffen.

Der Wind für die Vorführung steht also fest: komplexer Abenteuerroman mit vielen wichtigen Motiven. Als Segel setzt Popig nun vor allem persönliche Präferenz, Pragmatik und die Berücksichtigung der Gegebenheiten des Freilichttheaters. Popig verrät, dass ihm eigene Lieblingsszenen als Leitfaden dienten, um das Textbuch für das Theater zu schreiben. Dieses wurde daraufhin aus pragmatischen Gründen von der Regisseurin weiter gekürzt. Prägnanz und Spektakel sollen dem Publikum dabei helfen, das Stück zu verfolgen, selbst wenn äußere Gegebenheiten wie Regen zur Ablenkung einladen. Dafür sollen wohl auch die Musikeinlagen dienen, die wenig thematischen Bezug haben und mehr an ein Medley verschiedener typisch deutscher Radio- oder Partylieder erinnern. Das kann auch daher kommen, dass Popig nicht alleine die Segel für die Aufführung setzt: Auch Wolff, die Band und die Schauspieler:innen haben Mitspracherecht. Das Mitspracherecht der Schauspieler:innen wird vor allem bei der Verkörperung der Rollen sichtbar. Beispielsweise erwähnte Popig, er habe die abweichende Szene zum Verlobungsmahl so nicht geplant, sie ergab sich. Auch das „vegane Festmahl“ soll im Drehbuch ursprünglich als „frugales Festmahl“ gestanden haben und ebenfalls von den Schauspieler:innen geändert worden sein. Einige Witze und komische Anekdoten sollen im Textbuch vermerkt gewesen sein, um die Stimmung des heterogenen Publikums aufrecht zu halten, ergaben sich aber auch vor allem aus der Umsetzung der Schauspieler:innen.

Haben hierbei womöglich zu viele Personen zu unterschiedliche Segel gesetzt? So könnte sich die Diskrepanz zwischen Popigs ursprünglichem Anspruch und der Auffassung einiger Rezipierender erklären: Während der Anspruch darin lag, einen ernsten Roman durch Kürzung und komödiantische Aspekte für ein Freilichttheaterpublikum zugänglich zu machen, bezieht sich die Auffassung darauf, dass das Stück in eine vereinfachte Komödie mit dunklem Bruch in den Racheszenen und kitschigem Ende verwandelt worden sei.

Eine misslungene Theateradaption also? Nicht unbedingt. Das breite Publikum klatschte am Ende trotz verregneter Aufführung großen Beifall. Wahrscheinlich liegt es vor allem am Anspruch des Ensembles um Popig und Wolff, denn klar ist, dass zu viele wichtige Handlungen und Motive aus dem Roman vereinfacht, ridikülisiert oder nicht berücksichtigt wurden, um dessen Komplexität wiederzugeben. War es aber der Anspruch, ein heterogenes Publikum auf Basis eines französischen Klassikers gut zu unterhalten, dann kann dies als gelungen aufgefasst werden.

Zitierte Zeitungsartikel

Barsch, Frank (18. Juni 2024): Rache oder Liebe?. Mannheimer Morgen.

Schottmüller, Daniel (13. Juni 2024): Leinen los für die Schlossfestspiele. Rhein-Neckar-Zeitung.

Vogt, Heribert (17. Juni 2024): Die Gischt des Schicksals schießt empor. Rhein-Neckar-Zeitung.

Titelbild: © Theater Heidelberg

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